FIGURA HUMANA

Para el artista,el conocimiento debe ir siempre de la mano de la práctica constante del dibujo de la figura.Esta práctica se puede llevar a cabo con la ayuda de muy diversos modelos, bidimensionales o tridimensionales.

Para plantear el dibujo anatómico en sus justos términos, el artista debe concebir el cuerpo humano como una arquitectura compuesta de partes armónicamente organizadas.Esto no solo facilita el dibujo de figura sino que garantiza la correcta proporción del dibujo final.

Es un error dibujar la figura copiando de manera mimética todos sus detalles uno tras otro.Lo correcto es englobar tales detalles en formas genéricas o en directrices lineales que permitan tener, desde el principio del trabajo, una visión de conjunto de toda la figura. Así es más fácil ir ajustando los tamaños y las formas, introduciendo sobre la marcha todas las correcciones necesarias.

El dibujo esquemático consiste en trazar los ejes de movimiento de la figura como paso previo al dibujo anatómico. Tales ejes suelen ser: el eje del tronco, los ejes de los brazos y los ejes de las piernas.Estos ejes son verticales y recorren los miembros del cuerpo en sentido longitudinal. Para establecer las anchuras se puede recurrir a ejes transversales que unan los anteriores, como hombros y caderas.

DIBUJAR CON CARBONCILLO

Las barras de carboncillo son uno de los primeros materiales de dibujo con los que se empieza a trabajar cuando una persona quiere aprender muy bien a dibujar y para ello, debe practicar mucho. Se trata de finas ramitas tostadas hasta el punto ideal. 

Estas barritas son lo bastante blandas para deshacerse sin esfuerzo conforme la vamos rozando contra los papeles pero lo suficientemente duras para cogerlas, manejarlas y permitir que nuestra mano empiece a tomar experiencia y agilidad.
Con el carboncillo se pueden trazar líneas muy finas, sobre todo si se perfila, se le da punta, con una cuchilla.

También se pueden hacer grandes manchas, que según si apretamos más o menos, serán de un tono más o menos oscuro. Por esa variedad de trazos, es ideal para practicar y hacer muchos dibujos, dejándonos trabajar rápidamente e incluso si lo deseamos, haciendo muchos detalles que requieren más tiempo.

Dibujos muy profesionales en blanco y negro se hacen con tan solo un pedazo de carbón y una goma de borrar. Es como hacer fotos abstractas sin usar computadora. El carbón vegetal es también una buena manera de aprender técnicas de iluminación.La barra de carboncillo se vende , en papelerías, suelto o por cajas. Es un medio sencillo para dibujar, nos permite corregir nuestros errores fácilmente.

EL RETRATO

Un retrato es una pintura  principalmente de una persona, la descripción de la figura o carácter, o sea, de las cualidades físicas o morales de una persona.Por lo tanto, la primera definición de retrato es aquella que se refiere a la expresión plástica de una persona a imitación de la misma, lo que ocurre en la pintura, la escultura y la fotografía.

 En un retrato predomina la cara y su expresión. Se pretende mostrar la semejanza, personalidad e incluso el estado de ánimo de la persona. En cierto sentido, limita las posibilidades creativas del artista, al mantener el parecido con el sujeto del natural: quizá por esto algunos artistas no se adaptaron a practicar el retrato como, por ejemplo, Miguel Ángel. 

En realidad, el retrato no es una  reproducción mecánica de los rasgos (como una máscara de cera modelada sobre el rostro), sino que entra en juego, para definirse como tal, la sensibilidad del artista, que interpreta los rasgos según su gusto y las características del arte del tiempo en que opera.

Hoy, las fronteras del retrato con los métodos y técnicas aplicados no pueden ser definidos como en épocas anteriores.La historia del retratismo está dominada por la pintura al óleo, pero esto no descarta el uso de otros materiales más directos.El avance más significativo en los últimos tiempos en técnicas pictóricas ha sido la invención de las pinturas acrílicas que secan rápidamente y permiten más libertad a la hora de hacer las modificaciones que se deseen.

LA PERSPECTIVA

Dibujar en perspectiva es una técnica de dibujo utilizado para ilustrar la dimensión a través de una superficie plana. Hay muchas formas utilizadas bajo el dibujo en perspectiva, tales como, perspectiva de un punto, perspectiva de dos puntos, perspectiva de tres puntos, a vista de pájaro, a vista de gusano y otros.

 La perspectiva de un punto se utiliza para dibujar una escena bajo un camino a cuadros. La perspectiva de un punto también es un dibujo en perspectiva que tiene un punto de fuga donde las líneas dibujadas son paralelas entre sí y van hacia el “infinito.”

Un método sencillo para calcular y comparar proporciones, sobre todo distancias verticales y horizontales, consiste en usar un lápiz como regla. Seleccionamos el objeto que queremos usar como parámetro para nuestro dibujo y luego tomamos un lápiz con la punta para arriba, sin olvidarnos de sostener el brazo bien estirado.

Alineamos la punta del lápiz con la parte superior del objeto y el dedo con la parte inferior. Esta medición nos permitirá calcular proporcionalmente los otros objetos. Hemos de estar seguros de que el lápiz se encuentre en posición totalmente vertical a la hora de medir profundidades. Para calcular el grado de inclinación o para medir horizontalmente, el lápiz habrá de estar perpendicular a la línea de visión.

TÉCNICA DEL CLAROSCURO

Es la utilización de la luz y la sombra dentro de una imagen, cuando la utilización de valores altos (claros) y bajos (oscuros) hace referencia a la realidad. En la realidad se dan objetos de formas muy diversas, que reflejan la luz de maneras también diferentes, pero a pesar de ésta aparente variedad existen dos modos en la relación con la sombra: uno es el contraste, cambio violento del valor con límite definido y otro es el pasaje, degradación continua de la luz a la sombra.

Los contrastes los encontramos en los cuerpos con aristas, en los límites de una figura que se recorta contra un fondo y en las sombras proyectadas, mientras que los pasajes aparecen en las superficies curvas o en la pérdida de intensidad de una luz a medida que se aleja de su fuente. De esta manera podemos decir que una cara plana de un volumen lleva un gris uniforme que termina definidamente, mientras que una curva presenta un valor constante cambiante.

Las características de las sombras en su forma y en su valor dependen de las formas del objeto, siempre que nos ocupemos de las sombras propias, o sea, las que están adosadas a los objetos y dan sensación de volumen. Las sombras proyectadas, que son las que producen los objetos sobre un plano de fondo o sobre otros objetos.

Las formas de estas sombras dependen de la forma del objeto que las proyecta, de la superficie sobre la que caen y de las características de la luz que ilumina al objeto. De esta manera un mismo objeto puede producir diferentes sombras proyectadas en la medida en que varíen los otros factores.

TÉCNICA DEL TRAMADO

En el dibujo lo más importante no sólo es conocer las posibilidades del trazo, sino también de la combinación de los planos y de las tramas que pueden producirse según se encuentre, o bien si se aprovecha la realización de un determinado trazado cuando ésta se encuentre sin tinta.

La punta de la caña puede permitir un trabajo cuando se encuentra bien cargada de tinta contrario, cuando se dibuja una punta roma y con poca calidad de tinta, se pueden lograr gradaciones semejantes al lápiz pero de una fuerza considerable.

Si se combina el plano de la trama con otros planos de trama en los que se alternen las líneas verticales con líneas inclinadas, se conseguirá la creación de volúmenes geométricos, en los cuales el estudio de la luz indicara la dirección de la misma, oscureciéndose más las zonas en sombra.

El trazo combinado en líneas verticales y horizontales facilita el dibujo de la trama; esta se aproximará al negro cuanto más cerrada se encuentre.El "Cross Hatching," que es un tramado cruzado se desarrolla dibujando una serie de líneas diagonales y luego inclinándolas al papel . Se puede obtener una menor o mayor oscuridad según la separación que le dejes entre las líneas.

LA TÉCNICA DEL GRAFITO

La técnica de grafito, es la menos complicada de trabajar.Por su forma, peso y tamaño, el lápiz es el instrumento de dibujo más manejable y fácil de usar, que no requiere un pulso excepcional para ser utilizado y que se borra con facilidad.

Los lápices de grafito están graduados según su blandura o su dureza en una escala que va desde el 8B hasta el 8H: la letra B designa la blandura y la H la dureza.
El número antepuesto a dichas letras indica el grado de blandura o dureza relativas. Así, un lápiz 7B será más blando que un 5B o un 3B.

 La misma relación numérica se utiliza para señalar la dureza. Esto hace que, según lo que queramos dibujar, podamos escoger la que más nos convenga. La mayor o menor presión ejercida sobre los lados de la mina proporcionará sombras de distintos valores.

Con un lápiz de mina blanda podemos conseguir una gran variedad de tonos, desde un negro intenso a un gris suave y homogéneo.Los lápices de colores se utilizan exactamente igual que los de grafito y resulta muy interesante la combinación de ambos.

TÉCNICAS DE LA ILUSTRACIÓN CON LÁPICES DE COLOR

Existen distintas maneras de tomar el lápiz. Si se sostiene adecuadamente, ilustrarás correctamente. Existen algunas maneras de hacerlo: en caso de trazos pequeños tomarlo como un lápiz normal solo que un poco más alejada del papel.

Tomarlo como un cuchillo, esta forma es aconsejable cuando se está dibujando en superficies verticales o inclinadas, cuando trazamos rasgos de cierta longitud que requieren agilidad y rapidez de resolución.
Es muy importante recordar que la punta sacada con un cutter o cuchilla sirve para trabajos de mayor dificultad que los que requieren de punta de sacapuntas normal.

Así mismo, como consejo primordial es benéfico tener todos los utensilios organizados, y tener siempre en cuenta que uno de las reglas básicas en las técnicas a mencionar es siempre pintar “de menos a más.”
La rugosidad del papel: Más rugoso o menos según el efecto que queramos crear. (Papeles de grano fino, medio y grueso.

La inclinación del lápiz: Podemos tomar el lápiz como cuando escribimos, o podemos tomarlo de forma que quede casi paralelo a la hoja.Es mejor si se usa la cuchilla, podemos dejar mas mina de lápiz descubierta y aprovechar para cubrir superficies mas amplias.

TECNICA DE PINTAR CON TINTA

En la técnica del dibujo la tinta china se suele utilizar fundamentalmente con plumilla. Con una combinación de trazos obtenemos TRAMAS, que nos servirán para crear efectos de sombras y "grises". Asimismo es muy útil ensayar con diferentes tipos de SOMBRAS .

Los trazos en el papel adoptan líneas de morfología diversa y de grosor variable (en función de cómo apretemos la plumilla sobre el papel).
No es lo mismo los trazos con una plumilla, un rotulador biselado o un estilógrafo. Los primeros son más “dinámicos”, los segundos serán rectos, y los últimos también, pero idóneos para obtener el “punteado” de algunas sombras.

Cada trazo conlleva una inclinación de la punta de la pluma, pero un denominador común es la continuidad del mismo y que, a diferencia de los estilógrafos tiene un final, que es cuando se acaba la carga de tinta que hemos tomado del tintero.

Dibujo Técnica Tinta china
Los patrones básicos son:
Rectas
Curvas
Líneas sinusoidales/espirales
Puntos
Combinaciones de los anteriores.

EL BODEGÓN

El bodegón es una representación de objetos inanimados usualmente arreglados por el artista, también se le llama naturaleza muerta. Estos objetos pueden ser frutas, vegetales, flores, animales muertos, como conejos, aves, gallinas, etc. 

En sí, es una expresión humanística, porque sensibiliza y permite la mejor comprensión de la realidad del mundo observador, quizá los objetos no sean tan importantes; pero está presente la destreza y creatividad del artista, así como los detalles de su composición.

A muchos no les agrada el estudio del bodegón, les aburre ese género, pero es apasionante.
No se trata de los objetos mismos, lo que se busca es representar algo más complejo desde objetos inertes o simples, ver algo a través de las cosas. Lo interesante está en la tridimensionalidad, la corporeidad y solidez, la profundidad y la atmósfera; el claroscuro y el recurso pictórico.

Bodegón Geométrico,  es la composición en base a figuras geométricas, elemental para el inicio del dibujo artístico, sirven para relacionar formas que se encuentran en el entorno.
Bodegón Artístico, género pictórico donde se representa objetos inanimados o naturaleza muerta, pueden ser simples o compuestos.

LA CARICATURA

Es un retrato que exagera o distorsiona la apariencia física de una persona o varias, en ocasiones un retrato de la sociedad reconocible, para crear un parecido fácilmente identificable y, generalmente, humorístico. También puede tratarse de alegorías. 

La caricatura como género artístico suele ser un retrato, u otra representación humorística que exagera los rasgos físicos o faciales, la vestimenta,aspectos de comportamiento o los modales característicos de una persona, con el fin de producir un efecto grotesco. La caricatura puede ser también el medio de ridiculizar situaciones e instituciones políticas, sociales o religiosas, y los actos de grupos o clases sociales.

Permite también hacer comentarios políticos en clave de humor verdaderos chistes visuales, y por ello casi todos los diarios del mundo suelen incluir una o más caricaturas en su sección de opinión, por ejemplo en ciertas revista de cómics, generalmente de índole satírica.A pesar de exagerar los rasgos debe mantener siempre el parecido con la persona para no perder su utilidad de retrato.

Su técnica usual se basa en recoger los rasgos más marcados de una persona (labios, cejas, etc.) y exagerarlos o simplificarlos para causar comicidad o para representar un defecto moral a través de la deformación de los rasgos, en tal caso es una forma de humor gráfico.

EL ARTE SURREALISTA

El surrealismo es una tendencia artística que se basa en reproducir imágenes procedentes de la imaginación y la fantasía. El movimiento estético del surrealismo fue posterior al descubrimiento del psicoanálisis, hecho que hizo que sus artistas fueran mucho más conscientes de los impulsos irracionales que dominan la conducta humana.

Algunas de las técnicas que más se usaron fueron el frottage, la decalcomanía que se hacían distintas manchas negras sobre un papel y se colocaba otro encima, se hacia presión y se dejaban secar.

El grattage, el cadáver exquisito también fueron muy usadas, siendo éste segundo el proceso en el que varios artistas dibujaban diferentes partes de una figura sin ver lo que el anterior había hecho o, cómo última técnica muy usada, la pintura automática.

Así pues, el surrealismo es un movimiento estético que intenta, básicamente, expresar el inconsciente, y que por lo tanto, derivan de él obras abstractas, inconexas, y por lo general difíciles de interpretar.   

MANGA JAPONÉS

Una idea puede ser una frase ,una imagen,un tema general,un personaje,una situación.No hace falta concebir toda la trama de una vez,basta con descubrir algo que llame la atención y empezar a explotarlo.

La oferta temática del manga es amplísima ,y disfruta de géneros que le son propios.El manga engloba todos los géneros y todos los públicos,por lo que cualquier historia puede ser explicada de esta manera.

La construcción de la historia en el manga empieza y termina con el diseño de personajes,cosa que no es extraña si tenemos en cuenta que es una de los aspectos que mejor lo caracterizan.

El proceso de realización de un manga implica tres fases creativas diferentes :creación de la historia y de la imagen-ésta es la fase propiamente "creativa", la realización de ambas cosas-ésta es la que requiere saber organizar y dibujar, y los acabados finales-donde lo que cuenta es la técnica.

EL CÓMIC O HISTORIETA

También conocido como historieta es una secuencia de dibujos que constituye un relato ,con o sin textos.Para realizar un comic se deben seguir algunos pasos:

Elegir un argumento o tema,puede ser de aventuras,humor ciencia ficción,etc.
Realizar un listado de personajes,describir el escenario,dividir el argumento en partes (cada una de ellas estará representada en una viñeta(cartelas,onomatopeyas,globos,etc.)

Elaborar un guión , realizar dibujos ,revisar la ortografía,la buena distribución de los elementos,la coherencia y claridad de la historia y si la idea o mensaje se entiende.
La historieta o comic cuenta con algunos elementos importantes como:la viñeta,el dibujo,globos o bocadillo,cartelas y onomatopeyas.

EL STORYBOARD

Es una especie de libro de historieta simple que se utiliza para trabajar proyectos artísticos audiovisuales: cinematográficos y televisivos .Y nos sirve de guía para entender una historia,previsualizar una animación o seguir la estructura de una película antes de realizarse o filmarse.

Cuando ya tenemos el guión de una película ,comercial de televisión o video musical ,el siguiente paso es visualizar la idea por tanto se realizara un storyboard.
 Por lo general,se dibujan en lápiz o bolígrafo.

Puede ser un dibujo simple con la idea bien planteada ,entendible,de buena presentación ,porque servirá de información a otras personas.En él se estila el uso de formas básicas ,las cifras de palo y fondos simples.Si se dibuja el marco del Storyboard en fichas podemos reorganizar el movimiento de las piezas de la historia.

POP ART : ARTE MODERNO

    

El arte pop es considerado uno de los últimos movimientos del arte moderno y por lo tanto precursores del arte postmoderno comúnmente interpretado como una reacción a los entonces dominantes ideales del Expresionismo abstracto.

Se utilizan colores puros, brillantes y fluorescentes, inspirados en los empleados en la industria y los objetos de consumo.
Tiene una temática urbana, relacionada con la sociedad de consumo; por ello, se puede ver como, repetidas veces, emplean imágenes extraídas de la cultura popular (tomadas de los medios de comunicación, del mundo del cine, etc.),

Busca  utilizar imágenes populares oponiéndose totalmente a los estilos existentes.El arte pop también se consume, no sólo se trata de un arte original y revolucionario; su arte resulta fría, distante y muestra la no creatividad. Andy Warhol, el máximo representante de este movimiento.

     CARACTERÍSTICAS

• Lenguaje figurativo y realista.
• Temática extraída ambiente urbano, sociedad de consumo.
• Ausencia de planteamiento crítico.
• Iconografía estilizante.